Entretien avec Morgane Antoine [Française]

(Nous avons utilisé Google Translate, nous nous excusons pour les erreurs associées)

Je m’appelle Morgane Antoine et je suis une artiste animalière française réputée pour capturer mes sujets dans des peintures incroyablement détaillées et réalistes. Oh, et j’adore les léopards des neiges!

Q. Dans quel média travaillez-vous et pourquoi?

Je travaille principalement avec des acryliques parce que je peux superposer autant de couches que nécessaire pour obtenir le détail que je veux sans avoir à attendre très longtemps que la peinture sèche contrairement aux huiles. J’aime aussi les couleurs vives et le joli aspect satiné que vous obtenez. En plus, avec des matériaux modernes, vous pouvez travailler avec des acryliques à corps épais ou doux, des médiums de toutes sortes, des encres acryliques et même des stylos acryliques qui ouvrent un monde de possibilités. Glaçage, aérographe, brossage des dents (oui vous avez bien lu), jouer avec des textures en tout genre, le plaisir est sans fin!

Q. Racontez-moi votre histoire? D’où vient votre amour de l’art?

Comme beaucoup d’artistes, j’ai toujours aimé dessiner et peindre et j’ai commencé à créer dès mon plus jeune âge. Enfant, j’ai essayé les crayons et l’aquarelle, couvrant les marges de mes cahiers d’écoliers avec des nuées de créatures, mais cela n’est jamais allé plus loin que cela parce que j’ai choisi de suivre un programme de sciences et que j’ai dû mettre ce côté créatif en suspens. J’ai commencé ma carrière en tant qu’ingénieur mais des problèmes de santé imprévus m’ont finalement forcé à changer de chemin et à travailler à domicile. Je suis donc revenu naturellement à mon premier amour et je n’ai jamais regretté ce choix!

Q. Vous vous décrivez comme autodidacte, à quoi ressemblait ce processus?

Beaucoup d’essais et d’erreurs! Beaucoup d’observation aussi pour essayer d’imiter les techniques de maîtres de l’hyperréalisme comme Robert Bateman, Carl Brenders ou Terry Isaac. Il n’y avait pas autant de ressources en ligne qu’aujourd’hui donc il m’a fallu quelques années pour affiner et adapter les techniques mais au final, j’ai trouvé ma propre voie et une façon de travailler avec laquelle je suis à l’aise… pour le moment. Parce que c’est un processus sans fin et que je vois beaucoup de domaines qui pourraient encore être améliorés dans ma pratique!

Q. Vous êtes maintenant dans une position de renommée internationale, comment cela est-il arrivé et quels changements cela a-t-il fait dans votre vie?

Eh bien, cela n’est pas arrivé du jour au lendemain, mais progressivement grâce à une persévérance continue, d’innombrables heures de travail, une bonne dose d’audace et une pincée de chance je dirais. Il n’y avait pas beaucoup de marché pour l’art animalier en France à mes débuts, j’ai donc dû chercher ailleurs pour trouver mon propre créneau. L’Amérique du Nord et le Royaume-Uni me semblaient le choix logique car j’y avais déjà vendu des pièces très tôt et les collectionneurs étaient beaucoup plus enthousiastes à propos de mon travail, en particulier de mes miniatures. Ce dévouement et ces efforts ont conduit à des récompenses et à des ventes constantes et, en peu de temps, j’étais à peine capable de répondre à la demande. Les portes se sont ouvertes pour de nouvelles opportunités de spectacles, des adhésions à des sociétés d’art, des galeries, des musées, etc. Le changement qu’il a apporté (en dehors de la lourde logistique du commerce international!) Est qu’il m’a permis d’embrasser la carrière d’un artiste professionnel à plein temps et de vivre de ma passion.

Over the Edge est ma pièce signature et probablement la peinture qui a vraiment lancé ma carrière.

Q. Qu’est-ce qui vous pousse à le capturer dans le monde naturel? Pourquoi est-ce si inspirant?

D’un point de vue graphique, les animaux sauvages sont un formidable défi pour tout artiste: avec leur incroyable diversité d’habitats, de formes, de couleurs, de textures et de comportements, ils sont des sujets d’étude fascinants. Mais au-delà de l’attrait artistique, quand on sait que de nombreuses espèces sont menacées et au bord de l’extinction, les peindre et les montrer devient une nécessité, un devoir de sensibilisation, d’éducation du public et de soutien aux efforts de conservation.

Q. Vous êtes-vous toujours intéressé à la nature?

Oui, je me suis toujours émerveillé de toutes les merveilles naturelles que le monde a à offrir et j’ai toujours ressenti un lien profond avec Mère Nature. Je suis conscient que nous faisons partie d’un écosystème plus vaste où chaque être vivant a sa place et son utilité. J’essaie toujours avec mon travail de capturer la véritable essence et l’esprit de mes sujets, des petits insectes aux grands mammifères prédateurs, du haut du ciel au fond de l’océan. Et 2020 nous a montré que partager la beauté de notre monde à travers l’art n’a jamais été aussi important qu’aujourd’hui.

Q. Vous peignez beaucoup de sujets du monde entier. Est-ce le résultat de nombreux voyages ou faites-vous beaucoup de recherches depuis la France? Ou les deux?

J’ai fait beaucoup de voyages quand j’étais plus jeune et cela m’a définitivement ouvert l’esprit à d’autres sujets et lieux. Cela a piqué ma curiosité et m’a donné envie d’explorer d’autres espèces qui ne sont pas originaires d’Europe. Mais en général, je ne peins que des sujets que j’ai pu voir par moi-même, étudier attentivement et photographier (même si c’est en captivité) car ma démarche est à la fois technique et naturaliste. Je pense qu’une connaissance intime est la clé pour représenter fidèlement toute créature, donc la recherche (généralement en France) couplée à une observation directe (d’où que l’espèce puisse être vue) est fondamentale.

Q. Quel est votre processus créatif? Comment travailles-tu?

Cela commence généralement par une expérience, qu’il s’agisse d’un animal ou d’un lieu qui m’évoque quelque chose, que ce soit une attitude, une certaine lumière, un équilibre ou une composition intéressante. J’essaye de capturer la scène en caméra et de travailler à partir de là car ma technique est trop lente pour être utilisée directement en plein air et je doute que l’animal pose pour moi pendant des heures, des jours voire des semaines! Mais ce n’est pas simplement une simple copie de la photo. J’aime combiner plusieurs références pour réaliser ma vision, si j’ai commencé par une photo d’un paysage alors j’essaierai de trouver l’espèce parfaite pour habiter cet endroit particulier, si j’ai commencé avec une photo d’un animal alors j’essaye de le remettre dans son milieu naturel. Vous pouvez y voir où l’approche naturaliste est utile pour sélectionner le bon habitat pour la bonne sous-espèce, la bonne saison pour le motif particulier du pelage / plume, la construction ou l’anatomie correcte pour le bon spécimen, etc. Puis la démarche artistique prend le dessus et je fais de nombreux croquis pour affiner la composition et obtenir quelque chose qui plaît à l’œil et raconte une histoire. Je choisis généralement une palette de couleurs à ce stade qui convient à l’ambiance de la pièce. Après cela, la plupart du processus de création en lui-même est terminé et il ne s’agit que de mettre de la peinture sur la toile et de jouer avec mes techniques et autres astuces pour que cela ressemble à ce que je veux!

Snowcat est un bon exemple pour vous montrer comment je travaille. J’avais passé des heures à observer ce petit lynx roux qui, à ce moment-là, se reposait surtout. Je l’ai presque raté quand elle s’est soudainement réveillée avec les zoomies et a commencé à courir comme une folle (et croyez-moi, ces petits chats sont rapides) et a réussi à obtenir une photo très floue par miracle. La photo était vraiment mauvaise mais l’attitude du chat m’a inspiré alors j’ai gardé le sujet et changé complètement le fond et la saison. J’ai dû ajuster la fourrure du chat pour lui donner l’aspect duveteux d’un manteau d’hiver, faire correspondre la lumière et les ombres des différents éléments et refroidir les couleurs. Et puis devenir fou sur la poudreuse pour accentuer la sensation de mouvement (mon bureau et mes vêtements se souviennent encore de cette expérience car j’ai encore des gouttelettes de peinture blanche partout!).

Q. Vous souhaitez également montrer aux gens comment peindre comme vous, comment créer des effets très spéciaux sur la toile, pourquoi pensez-vous que c’est important?

Comment obtenir une fourrure si réaliste que vous pouvez presque caresser l’animal? Quel type de pinceau utilisez-vous pour obtenir des lignes aussi fines? Comment obtenez-vous cette sensation et cette profondeur 3D? Comment peignez-vous les cheveux et les moustaches? J’ai entendu ces questions si souvent que cela m’a fait réaliser que les gens sont vraiment curieux de connaître mes techniques et qu’il serait intéressant de partager certaines d’entre elles. En tant qu’artiste autodidacte, je sais tout sur la frustration et la lutte pour obtenir la bonne texture ou les bons effets et bien que je ne puisse pas condenser en un jour ou deux de la vie de pratique, il y a certainement des conseils et des raccourcis que je peux enseigner à mes étudiants. ils peuvent améliorer leurs compétences et leur compréhension de l’art animalier. En plus, j’aime partager ma passion et je sens que le monde a vraiment besoin de plus d’artistes animaliers! #

Q. Comment enseignez-vous?

J’aime utiliser une approche étape par étape pour décomposer ce qui semble être une tâche ardue en étapes faciles à suivre. Par exemple, les gens ont généralement des problèmes avec la texture de la fourrure car vous devez prendre en compte de nombreux paramètres tels que la longueur ou la direction des cheveux tout en luttant pour obtenir la bonne consistance et la bonne couleur de la peinture et cela peut être accablant et frustrant lorsque vous débutez. Je leur montre donc en gros qu’il est possible, en travaillant intelligemment et avec les bonnes techniques et outils, de dissocier toutes les difficultés et de relever les défis les uns après les autres plutôt que tous à la fois. Et que ces principes peuvent ensuite s’appliquer à de nombreux autres sujets!

J’ai une étape par étape ci-dessous. Vous pouvez voir que sur la loutre de gauche je commence par bloquer les couleurs de base (une nuance plus foncée) et place grossièrement les lumières et les ombres. Ensuite, je fais une cartographie de la direction des cheveux dans une seule couleur de lumière qui me guidera pour les couches suivantes. J’utilise ensuite une technique de glaçage pour remettre les couleurs. Et répétez un cycle de couche sombre pour ajuster les valeurs, couche légère pour affiner la structure / texture des cheveux et couches de vitrage pour jouer avec les teintes. Et je termine avec les petits détails du visage et quelques points forts ici et là. Cela semble assez facile, non?

Q. Quelle est la différence entre créer et enseigner? Les deux se chevauchent-ils?

Créer est pour moi un processus très intuitif où je m’arrête rarement pour réfléchir à quoi ou pourquoi je fais ceci ou cela. Mes pinceaux ne sont qu’une extension de mes doigts et tout s’écoule naturellement de mes yeux vers la toile. L’enseignement, par contre, demande une explication de ce que vous faites afin que les élèves puissent reproduire ce que vous leur montrez. Vous devez être capable d’analyser, de synthétiser et de transmettre consciemment vos processus, gestes, étapes, etc. Je dirais que les deux ne se chevauchent pas vraiment mais que le second résulte plutôt du premier. J’ai parfois mes moments d’ampoule lorsque je peins et je pense soudainement ‘oh, ce serait génial de montrer comment je viens de faire cela lors de mon prochain atelier!’ Et prenez un moment pour griffonner quelques notes avant de revenir sur pilote automatique.

Q. Qu’est-ce que ça fait d’être un artiste en confinement, quels changements, quels sont les défis, quelles sont les opportunités?

Eh bien, à vrai dire, être un artiste en lock-out, si vous ne considérez que la pratique en studio, n’a pas beaucoup changé par rapport au passé, car c’est généralement de longues heures seul avec vous-même et votre travail! Ce qui a changé pour moi, c’est toute la dynamique autour du studio, principalement des expositions et des interactions de toutes sortes avec le public et les collectionneurs, les partenaires logistiques et matériels. La plupart des événements auxquels je devais participer cette année (et même certains en 2021) ont été annulés ou mis en ligne. Vous devez donc trouver un moyen d’atteindre et de vous connecter avec les amateurs d’art, où qu’ils se trouvent, et de les amener dans votre monde artistique virtuel. C’est beaucoup de travail «derrière l’écran» pour mettre à niveau mon e-shop, améliorer ma présence sur les réseaux sociaux (je viens de créer un compte Instagram, quelque chose que je n’avais jamais vraiment pris le temps de faire ou plutôt jamais eu l’incitatif!) Et tout simplement améliorer le marketing. Ne pas être autorisé à rassembler du matériel de référence m’a obligé à jeter un regard neuf sur de vieilles photos qui se sont avérées être de bons modèles. Et j’ai pu commencer sur des peintures plus grandes et différentes, accepter quelques commandes supplémentaires et même essayer de nouvelles choses car je n’ai pas l’urgence de créer des pièces pour certains spectacles annulés. Donc, dans l’ensemble, malgré le fait que je ne peux pas nier que ce sera une course difficile, je pense que cela va avoir un impact positif parce que c’est une opportunité de grandir et de s’améliorer dans ce que je fais.

Q. Beaucoup de gens ont peut-être utilisé le verrouillage comme une occasion de se lancer dans l’art comme passe-temps, ou même peut-être aller plus loin et ont commencé à faire du travail pour vendre, quels conseils donneriez-vous à quelqu’un dans ce poste?

Si vous envisagez de devenir professionnel et de vivre de votre art, gardez à l’esprit que même si c’est probablement l’une des professions les plus enrichissantes qui existe, c’est aussi un travail très imprévisible dans le meilleur des cas, donc ce sera encore plus difficile. et incertain dans les mois et, très probablement, les années à venir. Ce n’est pas pour les âmes sensibles et ce n’est pas un choix à faire à la légère, donc je recommanderais de garder un filet de sécurité si cela est possible pour le moment (emploi à temps partiel, etc.). Beaucoup de choses changent et il y aura certainement de nouvelles opportunités, persévérez et soyez assez intelligent pour les reconnaître et les saisir. Et peu importe ce que vous faites et pourquoi vous le faites, continuez à créer, à grandir et surtout à vous amuser!

Trouvez l’art de Morgane, ses coordonnées et plus encore sur son site Web: https://www.morganeantoine.com/artist.

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